中国画的三大特点是什么20字以内，国画特点是中国画有三个明显的特点的。

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中国画的三大特点是什么20字以内，国画特点

　　第一是文化人文；

　　第二是诗意的；

　　第三的是笔墨。

　　中国画强调“向大自然学习，中德鑫源”，要求“仙邑村，绘画的目的”，注重人与景观的融合，以形式表现精神、形神兼备、生动的意境。

　　一、中国画线、基于墨水的，注意写作技巧，追求“好笔好墨”艺术效果，注意骨法和笔法。

　　这些都是是笔墨内涵的要求。

　　“框架”阿盖恩“书法笔力”，论书画的书写力。

　　它是点彩柱体，也是表达的依赖性。

　　画家把充满活力的情感注入他的作品中，让它更重要。

　　在建模过程中，画家的感情总是与画笔的力度融为一体。

　　笔所去哪儿，留下的是画家情感活动的痕迹。

　　二、用形式描绘精神、形神兼备，是中国画创作的一个重要原则。

　　中国画讲究神韵、追求意境。

　　一个画家应该有“画得像”功夫。

　　但如果工作是有形的，不敬虔的，好吧，即使不再是这样了是中国画所要达到的目的。

　　有形无神画是存在主义的，但是有一幅上帝看不见的画是不存在。

　　描述患者的容貌是为了传达精神、看在上帝的份上。

　　形状可以是“在相似与不同之间”。

　　三、中国画的颜色主要是墨。

　　虽然中国画也注重按类绘画，但最重要的是是整体画面效果。

　　为了大家，物体的颜色可以有很大的变化。

　　在中国画中，墨水是中国画的基本色。

　　墨分为焦墨、浓墨重彩、重墨、浅色墨水、五种清墨。

　　如果每一种墨水颜色都被巧妙地运用、适当的，将会有丰富的变化。

中国画的三大特点是什么？

　　中国画一般特点

　　学习中国画，首先应了解中国画的特点是什么，所以这本书就先从这里谈起。

　　要想简明地用几句话回答以上的问题并不容易。

　　传统的中国画具有悠久的历史，适应中国的文化土壤而生根开花，在立意、构图、技法和程式化的表现诸方面，都具有自己的特点，这些特点，也正是目前国画理论家正在讨论总结的问题。

　　这里试举数点。

　　一、首重立意胸有成竹- -中国画的构思

　　中国画创作，以立意为先，许多绘画理论家都首先强调这一点，不管是画山水、画人物、还是画花鸟。

　　唐代张彦远在《历代名画记》中有一段关于"六法"的论述："夫象物必在于形似，形似须全其骨气。

　　骨气形似．皆本于大意而归乎用笔。

　　"他认为立意在完．画中才能有变态、有奇意。

　　宋代以画梅花著名的华光和尚，法号仲仁昌卖，传为华光著作的《画梅指迷》中，有一段"画梅全决"， 开头就是"画梅全决，生意为先"。

　　到了清代的方薰，著有《山静居画论》．在这里也强调了立意与作画之关系，他说："作画必先立意以定位置，意奇则奇，意高则高，意远则远，意深则深，意古则古"。

　　他认为平庸者作画必平庸，俗气者作画也俗气，因为缺乏画家最宝贵的"立意"，所以作品平庸。

　　意人利文艺复八时期的画家达·芬奇，也有近似的近在他曾说："一个画家应当描绘两件最主要的东西，人和人的思想意图。

　　"这与我国晋代人物画家顾消之所提出的"巧密于精思"是十分一致的。

　　"意"是从哪里来的？一是画家对现实生活的丰富体察、创作经验的充分积累；另一点便是画家本人的修养，这样在创作之先，画什么，怎么画，在头脑中形成了成熟的构思。

　　宋代画家文与可，别人称赞他"胸有成竹"，即在他没有落笔画竹之前，头脑中已经有了竹子的形象，在胸中、笔下跃跃欲出，这时便能落笔而就。

　　"胸有成竹"遂成为我国赞誉善于计划安排事情的成语。

　　在张彦远提出的"立意"之前，南产时代的谢赫即有创意"、明意"之说。

　　创意之画，不落陈套，用意精当，借景以生境，笔少而意多，在这一意义上讲作为一个画家，不仅要在平时注意练笔、锤炼桐迅悔个人的表现技巧，更为重要者，还要认真地加强练意之功。

　　很多习画者，常常只是注意在练笔上下功夫，而忽略了练意，这是值得注意的。

　　二、以线造型以形传神——中国画的造型规律

　　中国画是以线存形的，通过线勾出轮廓、质感、体积来。

　　德国的诗人歌德称美术有用光表现得神态活现的那种本领，说明西洋画用光为造型手段之一。

　　但中国画主要是以线为造型之基础，这就使中西绘画在造型手段上有明显之分野，但这并非说西洋画完全排斥用线，而是说光可以作为绘画的主要语言而用于绘画的。

　　法国的罗丹曾经强调过："一根规定的线通贯着大宇宙"，是说造型艺术从宇宙如何分割出来的问题，也并非以此作为绘画的主要表现手段来看待。

　　而中国画无论对山水的破线或是衣服的纹线，都积累了非常丰富的线型，巧妙地描绘着各种形象。

　　"以形写神"是晋代画家顾恺之的一句名言，从而确立了中国艺术神高于形的美学观。

　　它与纯以抽象性为高的近代欧洲美学观具很大的区别，即画人不仅仅于形似．还要升高于神似，画出人的精神面貌，不停止于外形之模拟，不拘泥于自然之真实，这一论见为艺术家建立起艺术应竭力企求之高度，在这一理论指导下，历代出现许多传神写照的佳作，成为指导绘画的一个重要准则。

　　三、多点透视 计白当黑——中国画的构图法则

　　中国画既用焦点透视法，也用散点透视法，既有严守真实的画面空间和布白．也有打破真实按构图需要而平列的空间和布白，这样就使物象在画面出现时，可以按实物在画面上的艺术需要．伸长或缩短变化其形象，更换其位置。

　　一株低于视平线的牡丹花．也可架高于祝平线之上，而取得透视的最佳效果。

　　中国画在空白处尤其注意经营，常常借用书法上的计白当黑．即没有画面的部位要象有画面的部位一样作认真的推敲和处理。

　　四、随类赋彩色彩相和- -中国画的色彩法则

　　中局正国画的色彩，不拘泥于光源冷暖色调的局限，比较重视物体本身的固有色，而不去强调在特殊光线下的条件色。

　　画那一件物品，就赋予那一件物品的基本色，达到色与物、色与线、色与墨、色与色的调和。

　　五、情景相生气韵生动- -中国画的意境

　　中国画要求笔与墨合，情与景合、现实中无限丰富的景象，绘画家以强烈的形象感染力。

　　画家凭借着这种感受，激起描绘这些景象的激情，于是作品作为情景相生的复写而重现，使情景交融在一起。

　　至于气韵生动，即是画家所创造的艺术灵境，不同于一般的写生画，应成为富有生气，新鲜而活泼，有诗一般的韵味，使观者神往无穷。

　　如果没有表现出如此生动、如此韵味丰富的内涵，当然，就不能给予人这一些感受，而达不到中国画富有引人入胜的意境。

　　六、诗书画印纸笔- -中国画的独特形式

　　可以说只有中国画，才有题字盖印的做法，不仅文人画，可以显示其诗、书、画三绝之长，即是一般的画作，也总要题字盖印，这样才有传统艺术的浓厚风味。

　　题字和诗句，可以提高或补充观者对作品的欣赏和理解，也丰富了构附的变化，起到互相衬映，互为显彰，点缀与平衡构图的多方面作用。

　　中国画的工具和材料之性能，也决定着中国画的特色。

　　中国画是运用绢和纸作画，特别是生宣纸的出现，更加发挥了笔趣和墨彩。

　　宣纸的渗性，毛笔的尖锥，使得笔锋无穷变化，产生出奇妙的效果。

　　同时形成了各种效法和描法，画法和笔法。

　　从写生到写意

　　国画在初学时以临摹作为入门的手段，逐渐地对物写生。

　　再转而对物象写意，不仅粗笔的写意画是如此，就是细致的工笔画，也有其写意的成份。

　　因为中国画在描绘物象时，不管是为工笔或为写意，其处理手法都带有写意性，不是简单复写一遍，而是要得其精而忘其粗，繁其所当繁，而简其所当简，对物象提炼加工的程度较高，不以光色外型的逼真为能事，着重于内在的认识。

　　根据董其昌的记载，好多著名的山水画家，都是以真山水为稿本进行创作的，如"李思训写海外山，马远夏圭写钱塘山，赵吴兴写营雪山，黄子久写海虞山"。

　　当后人看这些画幅时，感到他们既是在写生，又是在写意；既师法于自然，又不为自然现象所困。

　　拿黄子久的《富春山居图》来看，作者取材于富春山，并不就是富春山的环境地理图，他表现的是黄子久理想化了的境界。

　　由此说明古代画家对自然界各种物象是如何认识并表现出来，使真实物变为艺术形象，并且逐渐使之规律化、程式化，同时可以看出他们丰富的表现技法。

　　对照《芥子国画传》及其它画谱，再对照历代画家对这一程式的运用，读者便可以摸到从自然生态变为国画中的艺术形态，如何加工和概括的过程。

　　从中也可理解到从写生到写意的处理加工手法，从技法上掌握中国画的造型特点。

　　主题突出

　　明代汪珂玉在《珊瑚纲》中说："古人作画，皆有深意，运思落笔，莫不各有所主"。

　　"所主"也即是主题。

　　主题突出，是艺术创作中的一个共性。

　　一个主题思想形成了，便可决定用何题材去表现，再决定素材之选择，以至确定下作品的标题，采用什么样的表现方法，都要取决于主题表现的是什么。

　　象唐代阎立本的名作《萧翼赚兰亭图》（传），这个故事的曲折情节很多，但阎立本选取的是萧翼的意在"有意、机诈和骗诱"和辩才的出于"无心、善良和受骗"两个典型情节，以突出画中的主题。

　　主题突出在"赚"字上，其他的细节则盯以减略或概括，这是完全符合《法书要录》上对这一事实所作的记述。

　　在国画创作中，发现了好的题材，并不等手都能突出主题。

　　如只求人物之生动刻划，或求画面之丰富变化，或者平铺直叙，均不能算是突出主题。

　　作者只有从国画艺术的特有规律和表现手法来考虑应该突出什么，要善于按国画形式概括题材，确定主题，把人物的刻划，细节的组织，都用来烘托主题，使观者从画面上叮以不加解释的领会到作画者的意图何在。

　　所以郭熙认为?quot;作画先命题为上品，无题便不成画"。

　　主题明确了还应给作品取个最恰当的题名，大多数情况下还要题在画面之上。

　　标题要言简意赅，寓有深意，也可以直接地揭示出主题，也可以暗示出主题的含意，以取得画龙点睛之妙。

　　积累素材

　　文艺工作者都需要在生活中积累大量的素材。

　　文学家使用的是文字，画家有时也用文字，但主要的是用画笔写生。

　　在画家接触自然界的风景、花卉和人物时，要经常以速写为记录，把观察到的实物用画笔随时收集。

　　象画家齐白石，对于各种小生。

　　的生理结构，都有非常细致的观察和了解，这样做下去，也锻炼了美术工作者观察生活和造型的能力。

　　鲁迅先生提到过，"作者必须天天到外面或室内练习速写，才有进步。

　　到外面去速写，是最有益的"。

　　从生活中记录下来的原始材料，如同开采到的矿石，也象是活水的源头，有无限的生动和丰富，比之于拍照片，抄画报得来的素材，亲切而深刻。

　　在深入探索自然风光和人物的实践中，积累大量素材，同时构思新的画题，会引起无穷通思。

　　题材 体裁

　　题材不同于素材，素材是未经冶炼的矿石，题材则是从大量的素材中．经过淘沙炼金找出的最适于表达某一主题的材料。

　　如果对素材的选取不精，会使所要表达的内容，失去鲜明性和典型性。

　　用一个通俗的比喻来解释体裁，好比是量体裁衣，根据不同的体型，来剪裁不同的款式。

　　比如一面大的壁画制作，用一幅小的册页体裁就不适当。

　　又如前面提到的《萧翼赚兰亭》，用人物画的体裁就比较好，而《长江万里图》，当然是用山水画的长卷形式为佳。

　　而各种咏梅的诗意画，则用花卉惊现口为贴切。

　　在人物、山水、花卉诸种形式和体裁中又分有工笔、写意、重彩、水墨等等的不同。

　　作者当确定画的主题之后，都应从内容出发，跟着就要考虑所要使用的体裁。

　　诸如长幅还是短幅，是用大场面还是用特写之笔。

　　两个基本功

　　一、中国画在其形成过程中，有许多的传统表现手法，掌握这些方法，一个经常使用的办法，是；陵墓前人作品和老师的画稿。

　　副脚七画家王石谷，临摹宋元各大家，都有相当造诣，经数十年的临摹和体验，他才感到对青山绿水有了充分的把握，这一点在临摹一章里还要细谈。

　　二、生活中的丰富环境，是画家最活的画本，画家应在生活中不停地磨练自己，国画家常讲求以造化为师，只有从这个丰富的宝藏中，才能开发出艺术的瑰宝，得到自然界的启示，收集广泛的素材。

　　两个基本功相辅而行，不可或缺，只临摹前人的稿本，日子长了，失去独自创造的能力，如果只靠写生的东西，则常常失去传统的笔致。

　　在画家具有了很好的国画临摹基础之后，生活则是最重要的了。

　　清代画家石涛说"笔非生活不神"，关在屋子里瞑思苦想不行，缺点在于离开自己亲自收集来的形象，对人物的性格、精神面貌全无所知，这种形象就会概念化。

　　反之，你在生活中画下最熟悉的人物，一闭上眼，人的精神气质、音容笑貌、都会不呼自出，就会生动得多。

　　就拿画人来说吧，工人和农民，虽然都是劳动者，而从个性和气质都不相同，这些就需要在生活中默默的研磨才能脱颖而出。

　　画山水花鸟，也同样离不开实地旅行写生和体验。

　　当然作为一个艺术工作者，除了笔墨和生活基础之外，对于人品道德的修养，尤其不可忽视。

　　过去人们常讲的书如其人或者说画如其人，即指一个画家的人品和修养，常常自然流露于笔端。

　　清，王星在《东庄论画》一书中徽“学画者先贵立品”。

　　清，沈宗春在《齐舟学画编》中说：“笔格之高下，亦如人品”，“心画形而人之邪正分焉”。

　　都足以说明，书画评论家，对画家的艺术水平高低之外，还要全面的分析画家人品道德，只有那品艺仅高的画家才值得人们学习和尊重。

　　不知道对你有没有帮助。

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